Devo dare ragione a Achille Bonito Oliva, quando ad un’intervista ha detto che la Biennale di Venezia doveva essere curata da un critico e non da un curatore, dato che, secondo lui, i curatori sono semplici manovali alle dipendenze dell’arte.

Non ha tutti i torti, ma forse bisognerebbe fare un distinguo: ci sono curatori e curatori...

Come ci sono critici e critici, ma si tratterebbe di un altro argomento!

Alcuni curatori si improvvisano tali, non fanno scelte stilistiche, non approfondiscono la conoscenza degli artisti, non seguono un disegno o un progetto che rispetti precise idee estetiche e creative.

Molti e forse i più accettano richieste da parte di tutti quelli che chiedono di apparire e credono che solo attaccando quadri ai chiodi o disponendo opere qua e là abbiano fatto bene il proprio lavoro.

Certo che hanno fatto della manovalanza, che hanno semplicemente riempito spazi, senza conoscere neppure cosa hanno tra le mani e senza conoscere la storia di chi ha prodotto quella data opera!

Per la mostra di Antonio Molinari ho voluto approfondire la mia conoscenza del personaggio scomparso nel 1995.

Ho parlato tantissimo con chi lo ha conosciuto: con la vedova, con il figlio; ho cercato tra le sue cose personali, le ho toccate, guardate, ho provato ad immaginare lui con quegli oggetti tra le mani.

Ho visionato centinaia di foto, centinaia di opere…

Viste e riviste.

Sono ben tre anni che con Roberto Russo frequentiamo la casa di Molinari e grazie alla signora Rosy sono riuscita a trovare un contatto con il maestro.

Due anni fa, durante una della tante visite in casa Molinari, ero seduta tranquillamente a guardare le opere del maestro (Molinari riponeva i suoi lavori in cartelle di cartone). Improvvisamente la signora Rosy, vedova di Antonio, tirò fuori da una delle cartelle un bellissimo autoritratto, mi fece rabbrividire... 

Quando poi dalla stessa cartella uscì un piccolo ritratto di donna l’emozione mi attanagliò la gola.

Due piccoli capolavori fatti a distanza di dieci anni, ma così vicini e così simili da lasciare senza fiato.

Guardando i dipinti capii subito che tra i due personaggi ritratti (Antonio Molinari e Maria De Wilde Knight) c’era stato un forte sentimento.

Lacrime di emozione mi scesero libere, come libero era stato quell'uomo, anzi artista.

Libero di usare i colori, il disegno, le tecniche, libero dagli schemi, eppure aveva una preparazione accademica da fare invidia ai migliori maestri del ‘500.

Molinari conosceva la prospettiva, i chiaro scuri, la tecnica dell’olio e soprattutto era un esperto dell’acquerello, tecnica difficilissima.

Aveva passato la vita a sperimentare, a cercare tra le macchie l’immensa perfezione della natura: lui stesso in un suo scritto diceva che bastava guardare una macchia di muffa per scoprire il bellissimo mondo dell’informale.

Tornando ai curatori, sono arrivata alla mia trentesima mostra: poche, molte?

...tenendo conto che per ogni mostra impiego diversi mesi di ricerca, che contatto gli artisti, visito personalmente i loro studi, scelgo le opere, faccio le fotografie, realizzo i video, rielaboro i dati recepiti, contribuisco alla registrazione dei colloqui, delle interviste, alla raccolta di materiali documentari (cataloghi, depliant, biografie, curriculum ecc), scambio idee e qualche volta discuto accesamente con gli artisti.

Ma alla fine, solo quando mi sento appagata e convinta, mi approprio dell’arte, delle immagini, dei sentimenti dell’artista e con la mia creatività cerco di immaginarmi un allestimento giusto.

Non è sempre facile far capire ad alcuni artisti che io li voglio 'curare': qui mi sento completamente diversa da certi curatori.

Non potrei mai attaccare dei quadri ai chiodi senza averli visti prima, senza aver conosciuto l’artista che li ha prodotti, senza aver avuto il tempo di immaginarmi il luogo, l’allestimento, il percorso, il racconto, l’emozione che l’insieme deve dare.

Mi sento responsabile della vita di un artista, che vuole trasmettere la propria arte, la propria storia, la propria bravura.

In passato ho allestito altri luoghi che esulano il mondo dell’arte, ma in fondo non così diversi.

Ho progettato e organizzato sfilate di moda, cercato tra decine di modelli quelli giusti per una bella sfilata, ho scelto i colori, le forme, le modelle, ho dovuto scegliere addirittura i tappeti che avrebbero ricoperto la passerella, le tende, i drappi, le luci e i sottofondi musicali.

L’insieme doveva risultare armonioso e bello.

Al centro del mio universo creativo sta la bellezza e così cerco di fare quando devo allestire una mostra, che sia di un grande artista o di una giovane promessa.

Armonia, bellezza, messaggio, comunicatività, comprensibilità.

Al centro dell’attenzione l’opera dell’artista, al centro dell’opera l’artista stesso.

Quando creo un percorso provo a immaginare il pubblico che viene a visitare la mostra.

Persone semplici o collezionisti, giovani o meno giovani, il pubblico è vario e si aspetta cose diverse, ma di sicuro tutti cercano la bellezza, cercano una storia, cercano di comprendere la vita di un artista sconosciuto o fin troppo noto...

DAL SITO GMP GUIDA ALLE PROFESSIONI

Hanno ragione quelli del sito GMP, soprattutto per lo stress che questa professione comporta!!!

Gli artisti molte volte vanno guidati, altri vanno sostenuti, altri ancora capiti... bisogna essere anche un po' psicanalisti!!!

Ma se ami l'arte, se pensi che l'unica ragione della tua vita è vedere le città più belle perchè arricchite da opere d'arte, se pensi che i musei devono essere aperti a tutti anche agli artisti contemporanei, se pensi che chiunque può/deve capire un’opera d’arte, se pensi che l’arte è bellezza, emozione, sentimento, eternità allora puoi fare il curatore! Raffaela M.Sateriale

Chi e e cosa fa? Il curatore di mostre segue tutti gli aspetti di contenuto di una mostra in campo artistico o culturale. L'attivita e svolta in genere come libero professionista, a stretto contatto col soggetto organizzatore (spesso un ente pubblico) che invece si occupa degli aspetti organizzativi ed economici.

Quali sono le attivita piu frequenti? Le sue attivita possono comprendere: definire l'oggetto della mostra, individuare le opere da esporre, contattare gli artisti e i curatori dei musei per il reperimento delle opere da esporre, scrivere il catalogo, decidere la collocazione e la presentazione delle opere.

Dove sono svolte e in quali condizioni? L'attivita e svolta in ufficio, in ambienti normalmente confortevoli, e presso le strutture di svolgimento degli eventi, con viaggi frequenti.

Quali strumenti o apparecchiature utilizza? Per lo svolgimento della sua attivita utilizza principalmente computer con programmi di videoscrittura e altre attrezzature da ufficio.

Quali sono i requisiti necessari per svolgere questa professione? Sono necessari una laurea in discipline architettoniche, artistiche o in conservazione dei beni culturali. Sono inoltre necessari capacita di analisi, autonomia decisionale, capacita di organizzazione e pianificazione, resistenza allo stress.

Controindicazioni: contatta un consulente di orientamento se pensi che le tue condizioni di salute possano influenzare lo svolgimento di questa professione.

dal sito http://www.professioni.info/povol/549.htm

CONDIVIDO PIENAMENTE!!!!!!!!

Carteggio di una Mostra

Riproporre una Mostra già esposta in un’altra occasione -la Biennale di Venezia del 2001- ha significato per il centro d’Arte Aion di Ascona, approfondire alcune tematiche emerse e comprese a distanza di qualche anno, allorché, rispolverando la corrispondenza, il materiale espositivo e alcune foto d’ archivio, prende forma nuovo e inconsueto il presupposto per l’approfondimento di un lavoro sancito dalla stretta collaborazione tra un artista ed un curatore contemporanei.

Harald Szeemann, scomparso da poco più di 4 mesi, ha lasciato una difficile eredità a quanti si avvicinino al complesso mondo dell’Arte: non solo il ricordo di mostre indipendenti, curate nel dettaglio da chi aveva la capacità di vederne l’insieme, armonizzando l’opera d’arte con il suo tempo e con lo spazio, ma soprattutto un diverso e moderno approccio all’arte che ha preso forma nella figura di curatore critico e partecipe dell’allestimento. E’allora,con il senno di poi, che la complessa produzione di Szeemann si presenta nuovamente a noi che con occhi vigili, questa volta, abbiamo il compito di dar ragione a chi profeta –talvolta incompreso- già aveva fatto.

Non deve stupire che rileggendo la mostra si sviluppino l’ una dentro l’altra la riflessione poetica, l’analisi storica o la critica al contemporaneo che la figura del curatore si sovrapponga a quella del poeta per lasciar posto avvolte al critico disincantato perché è proprio nel poliedrico impegno del grande curatore che tutti questi aspetti presero vita coerentemente.

Più intenso è il presente migliore è il futuro...

H.S.

La città di Venezia fu testimone di un insolito accavallarsi di compiti: qui  Szeemann, nella veste di direttore della Biennale, si immedesimò con tale trasporto nel suo lavoro da divenire presto egli stesso uno dei tanti poeti che fermarono con il segno indelebile della poesia figurata pensieri di profonda e toccante autenticità. D’altra parte l’allestimento del Bunker Poetico era una occasione unica per dare voce a quanti intendessero comunicare arte -poesia- attraverso l’arte. Lo spazio, lungo circa trecento metri, era divenuto un’estensione parlante, animato da flussi osmotici dove i poeti, attraverso le opere di Rotelli, diffondevano i loro versi al mondo, dove Rotelli, con l’aiuto di Szeemann era riuscito a convogliare i suoi sforzi e a concretizzare la sua ricerca di poesia - arte, ma anche e qui l’insolito elemento di una mostra, dove il curatore, Szeemann, aveva contribuito non solo con il linguaggio non verbale dell’allestimento critico, ma anche con quello verbale e manifesto dell’arte lirica.

In quell’occasione il poeta Szeemann, aveva lasciato al mondo contemporaneo, poche ma lapidarie parole; disse di quei sottili fili che legano il presente al futuro, che ci obbligano a dare un senso a ciò che facciamo hic et nunc, pena l’irrimediabile; poi con acuta saggezza aggiunse - ora non più un pensiero per la vita, un consiglio ad assaporarla intensamente e coscientemente- alcune parole su ciò che sappiamo essere inafferrabile: un’unica e sola certezza.

    Non esiste una sola verità, ma sono almeno due

H.S.

Come per tutta la vera lirica non ci sarebbe approfondimento possibile per svelare la valenza del pensiero in essa racchiusa. Tanto meno sarebbe giusto farlo poiché la poesia si deve innanzitutto sentire ma sicuramente le poche parole di Szeemann parlano ancora oggi a chi lo vuole ascoltare e dicono chi era e che levatura aveva chi le sancì; svelano il dono che possedeva un uomo maturo il quale sapeva vedere oltre il contingente, oltre l’effimero dei luoghi comuni e sapeva inabissarsi con pensiero critico fino a raggiungere il cuore pulsante delle cose, nel Sistema come nell’Arte.

Allestire è amare

H.S.

Il lavoro di Szeemann si può allora definire moderno nell’aver saputo dare il giusto spazio all’attualità, liberando, a volte appoggiando l’espressione dell’artista quando questa intendeva trasmettere perché seppe legare il Sistema, il Reale, la Società con il fare Arte, con l’aspirazione all’Utopia, con la ricerca del migliore dei modi possibili.

Il lavoro del curatore era per Szeemann uno strumento con cui riflettere sul presente, perché, come egli stesso dichiarò, gli artisti sono espressione del loro tempo, sono lo Zeitgeist, coloro che hanno la voce della poesia pur vivendo nella mediocrità del momento; quindi allestire significava rendere fertile il terreno perché qualcosa oltre il puro fenomeno fosse visto e compreso.

Spunto per l’allestimento era chiaramente l’opera, isolata nello spazio o viva nel confronto con altre, ma poi essenziale era la comprensione profonda del sentire dell’artista. Ecco perché ha senso rivedere la corrispondenza intercorsa tra Rotelli e Szeemann. Da essa si può risalire al lavoro del curatore che non ha mai voluto essere soltanto un coreografo capace di emozionare con effetti ricercati ma un comunicatore prima di tutto. Si prodigò per proiettare verso il futuro la lingua dell’arte agendo come una sorta di ponte tra l’artista e lo spettatore in aiuto di un messaggio profondo, a volte stratificato sotto più livelli estetici.

Rileggere grazie a questa mostra,  il Bunker Poetico della Biennale di Venezia equivale quindi a rendere omaggio al lascito verbale, poetico dell’Uomo e allo stesso tempo all’eredità non verbale del Curatore, perché  a questo progetto egli si dedicò seguendo il suo personale modus operandi, svelando ancora una volta l’innata capacità e la spiccata vocazione di curatore contemporaneo, poliedrico, coinvolto e coinvolgente.

   Quando la poesia valica la porta del corporeo

Ciò che stupisce nel vedere per la prima volta un’opera di M. N. Rotelli sono la grazia e la vitalità con le quali elementi diversi riescono a coesistere in un equilibrio impensato prima di quel momento. Una sola creazione eppure un’infinita serie di suggestioni che si accavallano. L’occhio è trascinato via dal colore, dalle linee e mentre si accinge a trovare un senso a quello che riconosce come scrittura è già immerso nel suono della parola poetica, in quel prezioso codice che fa dell’esperienza umana una forma d’arte.

Sin dai suoi esordi Rotelli ha cercato un medium espressivo che armonizzasse i tanti linguaggi artistici, non solo pittura, non solo poesia, non solo luci e ombre, suoni o immagini ma tutte queste insieme in una voce polifonica.

D’altra parte, i suoi studi come architetto e il desiderio di apprendere lo hanno portato ad avvicinarsi alle diverse discipline del sapere; i viaggi e i primi progetti esposti in tutto il mondo hanno creato poi quel sostrato culturale che adesso emerge con sicurezza dal suo lavoro.

Affatto geloso del suo creare ha intessuto una ragnatela di rapporti vivi e pregnanti con quanti hanno voluto confrontarsi. Persuaso che l’arte ha più volti: quelli con cui si palesa, ma anche quelli di chi la crea, ha da sempre cercato di coinvolgere nel sul lavoro filosofi, poeti, musicisti, registi e fotografi. Così le sue opere sono divenute lo specchio del dialogo tra il mondo ed egli stesso.

Ha contrastato con fermezza quella separazione a volte forzata e poco sincera che voleva l’artista eroico e incompreso genio, distante dal reale e capace di esprimersi in una sola lingua e ha invece ridato dignità alla figura stessa del creatore moderno, consapevole di dare ma anche di prendere forza ed emozioni dalla vita. La compartecipazione e  questo processo d’osmosi ovvero l’apertura verso l’Altro sono divenuti un leit motiv del suo operare. Ecco allora che da questo atteggiamento maturato in M.N. Rotelli, prende luce uno dei suoi progetti più apprezzati: Bunker Poetico.

Chiamato da H. Szeemann per lavorare alla 49° biennale di Venezia sul tema Arte e Poesia egli fece pervenire la richiesta al mondo poetico di scrivere alcuni versi “dedicati all’altro, non solo come altro da sé e altro in sé, ma anche come altro in apparenza invalicabile”. Il risultato fu allora un’opera collettiva in tutti i suoi aspetti: nel linguaggio, un caleidoscopico insieme di pittura, poesia ed eterogenei supporti, nel contributo comune, Rotelli , Szeemann e tutti i poeti che dal mondo inviarono i loro versi e infine nella comunicazione, questa volta per tutti e non solo per una ristretta elite culturale ma per la “Platea dell’Umanità” cui la Biennale nel segno di Szeemann si rivolgeva.

Adesso, a distanza di quattro anni, da quest’allestimento, si vuole dare di nuovo voce ad un progetto di grandissimo valore e a quanto oltre ad esso è stato raggiunto da M.N. Rotelli. Il Bunker poetico, quale pausa necessaria nel viaggio dell’artista e del visitatore poi, è in uno spazio a sé, centrale nella vita come nella mostra, quello da cui, come in un percorso nel tempo, si procede scivolando negli anni successivi  in quella produzione che è definita “Oltre”. È quindi chiaro sin dai primi passi nel Canneto poetico, fuori dello spazio allestito, che si sta per iniziare un viaggio. Ci s’immergerà in un mondo diverso, fatto di luce, poesia e colore, attraverso un linguaggio artistico bello per il suo valore estetico e per il suo intrinseco messaggio umano. I testi diventano fasci di luce proiettata, sono parole sovrapposte a vecchie porte e tele colorate, abbelliscono a volte disorientano ma sicuramente trasmettono e comunicano.

Il percorso della mostra vuole proprio ottenere questo, che le opere dialoghino con il visitatore, che egli conosca il messaggio di quanti hanno voluto inviare il proprio sentire, senza però opprimere con la pedante presunzione di tanta arte che vuole essere pedagogica. Dunque ancora una volta è chiara la volontà di Rotelli di voler scambiare, colloquiare con l’altro e non porsi come disincantato e lontano artista avente il compito di educare il mondo.

Il percorso scelto mostrerà anche come l’idea di dar una valenza figurativa alla poesia fosse già presente nei primi progetti di Rotelli allorché usava la luce come medium principale per approdare poi a mezzi materici. La ricerca successiva infatti, coerente nel suo sviluppo, ha portato l’artista ad utilizzare specchianti lastre metalliche, porte e materiali di scarto, sino a semplici pergamene.

Appare da ciò chiaro che nel continuo modificarsi di supporti ciò che è rimasto costante è il segno poetico -la cifra artistica di Rotelli- che si avvolge su se stesso come un nastro di Moebius.   

Ci si potrebbe chiedere allora se è la parola a materializzarsi o le opere che divengono poesia ma forse, la conclusione più plausibile è che il lavoro di Rotelli è arte non per forza riconducibile ad una riconosciuta tradizione formale ma sicuramente seduttiva ed emozionante.

dott.ssa Erica Viarisio

Sito ufficiale di Marco Nereo Rotelli

www.marconereorotelli.it     

Coordinazione: dott.ssa Erica Viarisio

VEDO CHE L'ARGOMENTO ENTUSIASMA E COIVOLGE MOLTI!!!!

Farò il curator

PROFESSIONI Famosi come attori e contesi come stilisti. L'arte contemporanea si muove attorno a una nuova categoria di personaggi, i curatori. Veri artefici dei destini e del successo di mostre e giovani talenti